Lux Lindner (Buenos Aires, 1966) desarrolla una práctica que abarca la pintura, la performance, el ambiente sonoro, la animación, la producción de objetos y la escritura escénica, articulada de manera constante por el dibujo lineal. Su obra se inscribe en una indagación sostenida sobre el devenir histórico argentino, abordado desde una perspectiva amplia que atiende tanto a sus dimensiones confidenciales como a sus proyecciones proféticas.

Realizó sus estudios secundarios en una escuela técnica e inició la carrera de diseño gráfico, donde consolidó un interés por las formas técnicas que luego trasladaría a la pintura. Estas derivan, en muchos casos, de antiguos manuales de aeronáutica o ingeniería naval hallados en mesas de saldo, y remiten al proyecto inconcluso de industrialización que declinó en la Argentina hacia mediados de los años setenta.

En su primera muestra individual (1990), sus obras combinaban referencias a Ernesto Deira, la gráfica del rock y la historieta, distanciándose de la expresividad y la materialidad pictórica predominantes en la década del ochenta y reactivando un imaginario geométrico y formal. Desde entonces, su producción ha insistido en poner en escena las tensiones de formarse en una tradición técnica en un país donde la industria se interrumpe de manera recurrente. Según el crítico Claudio Iglesias, “no es casual que se lo compare con Fernando Fader, quien, tras el fracaso de su proyecto de electrificación, se volcó a la pintura”. El futurismo italiano constituye otra referencia clave, en tanto encarnó también las contradicciones de afirmar la modernidad en un contexto periférico.

Ávido lector, melómano y agudo observador, Lindner ha sido señalado como una de las mentes más singulares del panorama local. Su trabajo despliega una mirada crítica sobre la sociedad y la cultura argentinas, atravesada por un humor incisivo y una densa red de referencias. El dibujo constituye el núcleo de su práctica: una actividad incesante que acompaña y organiza su pensamiento. En sus obras conviven lenguajes diversos —desde el dibujo técnico a tinta hasta la línea expresiva o el lápiz de color— que, en una primera aproximación, pueden parecer fantásticos o surrealistas, pero que se revelan como construcciones altamente codificadas, atravesadas por referencias a la historia política, la cultura popular, la ópera y el deporte.

Entre sus exposiciones individuales se destacan 78/87 (2026), recientemente inaugurada en Galería Nora Fisch; Trastienda Mental de la Realidad Virtual (2025), Museo MARCO; Catéter Microciclónico (2021), Fundación Andreani; Choripanipzus.EXE (2021); Monumento al Contrabandista Desconocido (2018); Falklands Crush Saga (2015); y Bring Me the Head of the Wagnerian Equalizer (2013), Galería Nora Fisch; Acercamiento Infinito (2010), Centro Cultural Recoleta; El nacimiento de la TV color por el espíritu del fútbol (2006), Galería Braga Menéndez; Mater Triunfalis (1995), Instituto de Cooperación Iberoamericana; y Armas largas (1993), Galería del Rojas.

En los últimos años ha reforzado su presencia institucional con la exposición Trastienda Mental de la Realidad Virtual (2025) en el Museo MARCO, la reciente inauguración de 78/87 (2026) en Galería Nora Fisch y su participación en proyectos en el Museo MACEO.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas Bienal de Arte Sacro (2026), Museo Nacional de Arte Decorativo; Bienal Nacional de Dibujo (2025), Museo Franklin Rawson; Lluvia Ácida (2025), Centro Cultural Recoleta; Léxico Familiar (2024), Galería Nora Fisch; Jugarse el pellejo (2024), Galería Pólvora; A 18 minutos del sol (2023), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; El arte es un misterio (2022), Fundación Amalita; What’s Love Got to Do with It (2019), The Drawing Center, Nueva York; Bienal de Performance BP19 (2019); Excéntricos y superilustrados (2016), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; y la 13ª Bienal de Estambul (2013), entre otras.

Entre sus distinciones se destaca el Primer Premio de la Bienal Nacional de Dibujo de San Juan (2024), que se suma al Segundo Premio del Salón Nacional de Artes Visuales en dibujo (2021); el Premio de la Oficina de Monumentos Consensuados (2018); el Tercer Premio de Pintura del Banco Nación (2017); el Premio Fundación Andreani (2009); el Premio Konex (2002); el Premio Klemm (2006); y el Premio Braque (1997), entre otros. En 2020 obtuvo la residencia Residencia en Residencia de Fundación Andreani, y en 1998 la beca Fulbright/Pratt Institute, además de la beca a la creación del Fondo Nacional de las Artes.

Su práctica performática incluye obras como ¿A quién perdiste en el agujero de conejo? (2026), Galería del Paseo, Punta del Este; Viaje de invierno por el calentamiento ideológico (2025), Museo MARCO; y Exploding Gumier inevitable (2024), Centro Cultural Ricardo Rojas.

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, se especializó en 3D Graphics en el Pratt Institute de Nueva York y completó su formación en artes escénicas con Emilio García Wehbi y Mauricio Kartún.

Entre sus publicaciones se encuentran Teoría de la madre (2009), Patricia Rizzo Ediciones, y Escritos sobre argentinística (2022), Ediciones del Trinche.